Así se titulan las jornadas en las que intervendré con algunas amigas como Tonia Raquejo que han organizado este evento para hablar sobre el significado cultural del Frnakenstein de Mary Shelley. Un encuentro que tendrá lugar en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. La presentación del curso explica el contexto en el que vamos a conversar sobre estos temas: “En junio de este año se cumple el bicentenario de la creación de Frankenstein de Mary Shelley, uno de los mitos que ha permanecido con más relevancia en nuestra actualidad, debido a que los adelantos científicos y tecnológicos nos brindan ahora la posibilidad de pensar un futuro no lejano en el que la especie humana pueda elegir ciertas transformaciones, siendo está la primera vez que puede manipular su configuración genética  con vistas a un futuro posthumano. Aunque la novela no se publica por primera vez hasta 1818, es en 1816 cuando Mary la concibe en esa célebre noche de Junio, del “año sin verano”, por los efectos del pequeño invierno climático que produjo la explosión del volcán Tambora. Este taller quiere brindar un homenaje a la creación de la mano de una de las mujeres que generó  uno de los arquetipos más poderosos de nuestro imaginario pasado y actual”.

Richard Rothwell: Retrato de Mary Shelley, 1840.

Por mi parte, como me ha pedido Tonia, referencia para nosotros en la Universidad de Salamanca porque ha estado por aquí en  con anterioridad en alguno de nuestros eventos, voy a abordarlo desde  contenidos que proceden en mi último libro: La pieza huérfana. Allí trato de manera intermitente la figura de Mary Shelley en varios de los capítulos de ese libro, así que como figura transversal de una época trataré de contextualizar su papel en ese entramado de vínculos entre la imaginación tecnológica y científica, y la mítica novela que escribió Shelley.

Os copio aquí el programa y espero veros por allí.

Programa:

Martes 17

16:30. Presentación. Santiago Lucendo y Tonia Raquejo

16:45. Santiago Lucendo: Imaginar a la criatura

17:45. Ana Pol Colmenares: Confess all, cómo nos contamos: doblez y vulnerabilidad a través del Frankenstein de Mary Shelley.

Miércoles 18

16:45.  Víctor del Río: Muerte interrumpida: reanimaciones del imaginario romántico

17:45. Tonia Raquejo: Límites entre lo humano y lo no-humano: transcendiendo la idea de lo monstruoso.

18:00. Concha Cortés Zulueta: Frankenstein como bicho raro y otras parábolas

Jueves 19

16:30. Javier Fernández Gorostiza, Entre la criatura de Frankenstein y los Robots Sociales

17:15. Nuria Conde Pueyo, Genética, Ingeniería y biohacking: el camino hacia el homo Consilium

18:30- El Cuerpo Aumentado – Alfredo Miralles (danza y texto) y Javier Picazas (tecnología): ”¿Qué pasaría si mi único superpoder es ser consciente de mi fragilidad? ¿Quién me necesitaría? ¿Alguien gritaría mi nombre en búsqueda de auxilio? Quizá no soy de esos superhéroes que salvan a la gente. Igual mi superpoder sólo sirve para salvarme a mí mismo”. Este trabajo constituye el Proyecto Fin de Carrera de Javier Picazas y ha sido realizado en colaboración con RoboticsLab del Dpto. de Ingeniería de Sistemas y Automática y el proyecto europeo de cultura Crossing Stages, en torno a la relectura de la figura del héroe en la mitología clásica.“El cuerpo aumentado” es el resultado escénico del encuentro entre Danza y Nuevas Tecnologías promovido por el Aula de Danza de la Universidad Carlos III de Madrid.

19:00- Syncbody – Javier Aparicio (danza y arte sonoro) y Javi F Gorostiza (tecnología): Consiste en un traje sensible al cuerpo y que hace posible componer e interpretar música a través del movimiento y el contacto corporal. La idea comenzó a forjarse cuando participaba en jam sessions de música y danza contact-improvisación: Bailamos cuando escuchamos sonidos que nos son afines (conectan con diferentes partes de nuestro cuerpo y nos movemos). Pero: ¿Cómo sería la música que se produce por el impulso corporal y el contacto de unos cuerpos con otros? ¿Qué posibilidades nos ofrece la tecnología para traducir esos fenómenos físicos en sonido y de qué forma podemos filtrar y organizar esos datos para ejecutar una propuesta musical con un cierto interés estético?

Viernes 20

Selección de libros y taller literario sobre lo  monstruoso en la biblioteca de la Facultad Bellas Artes:

12h. Jose Parreño, La sombra monstruosa  (lecturas poéticas)

13h. Inés Paris y compañía: monólogo dramatizado. ¿Cómo sería escuchar a la autora reflexionar sobre sus ansiedades, sobre lo dicho acerca de su obra y su creación? ¿Que supone para un artista que su obra le supere en tiempo y espacio? ¿Quien nace por obra de quien? Ojalá el tiempo nos permitiera retroceder para discutir con la mismísima Mary Shelley todas estas preguntas. Sin embargo debemos tirar del teatro y los libros para acercarnos a la verdad, o al menos intentarlo.

20 h. Cineforum proyección de Frankenstein de Mary Shelley (1994)en Espacio de Arte / Espacio Abierto

Talleres de Arte Contemporáneo Presentación y proyección de película basada en Frankenstein. Plaza del Cordón, nº2, 3º Derecha 28005 Madrid. 91 542 99 90

Coordinan: Tonia Raquejo y Santiago Lucendo

Hemos tenido entre los días 6 y 8 de abril las últimas Jornadas, El malestar del soporte: procesos artísticos y contextos culturales, un nuevo planteamiento para los ciclos de conferencias y diálogos con artistas que venimos desarrollando en la Facultad de Bellas Artes con la ayuda del Servicio de Actividades Culturales de nuestra universidad. Tuvimos a Valentín Roma, Gabriel Villota, Tate Díez coordinadora del Da2 de Salamanca, Rosa Yagüez, curadora jefe de la Fundación Cerezales Antonino y Cinia, María Mur, de Consonni. También incluimos un diálogo con artistas, por desgracia Paco Nadie no pudo finalmente venir, pero hicimos extensible el diálogo que planteamos en la primera sesión con Chus Domínguez, que ha sido, según las primeras impresiones de los participantes, una experiencia muy interesante. Lo mismo puedo decir de las conferencias.

Como figura en el texto de presentación, las jornadas analizaron los principales problemas de relación entre los procesos de producción artística y el campo expositivo y discursivo desde la perspectiva de los diferentes agentes implicados: artistas, comisarios, galeristas, editores, etc. Dado que la idea de producción artística en la actualidad no se ciñe a soportes genéricos legitimados por la historia o la institución, sino que ocupa diversos espacios de la esfera pública en una intencionada hibridación con otras figuras intermediarias, estas jornadas se plantean como un entorno de reflexión sobre esos nuevos espacios de producción que abren el campo de la práctica artística modificando e intercambiando sus figuras y agentes tradicionales. La estructura se articula en torno a un ciclo de conferencias dialogadas y talleres con artistas. Cada uno de esos dos ámbitos, diálogos y talleres, permitirá un intercambio directo de los alumnos del Grado en Bellas Artes y de otros alumnos de humanidades de la Universidad de Salamanca con profesionales en activo mediante grupos de trabajo reducido y conferencias de mayor alcance.

Nos hemos enterado, justo después de su paso por aquí, que Valentín Roma ha sido nombrado director de la Virreina. Centre de la Imatge en Barcelona, así que nos alegramos mucho por esa coincidencia. Debo decir, en este sentido, que nos suele pasar (Valentín no es el primero): nuestros invitados acaban poco después teniendo compromisos importantes y obteniendo reconocimientos que no podemos sino considerar muy merecidos. La intervención de Valentín entró de lleno en los problemas institucionales derivados del ciclo histórico que hemos vivido recientemente y del que él ha sido testigo de primera línea, como relató con lucidez. Su planteamiento sobre la necesidad de reinventar la arquitectura institucional de los museos y centros de arte quedó como una base a la que nos seguimos refiriendo en el resto de las jornadas, así que se puede decir que sus aportaciones abrieron los asuntos que nos interesaban.

Al día siguiente tuvimos a Gabriel Villota, que ya había pasado por aquí en la primera edición de aquel otro curso que con el título Conciencia histórico y arte contemporáneo tuvo lugar en 2009. Gabriel nos habló del vínculo entre registro audiovisual y la danza. En un recorrido histórico en el que pudimos asistir a ese momento funacional en el que se encuentra la danza contemporánea y la performance, también pudimos comprobar la relación ambigua con el fenómeno de la huella en el registro del cuerpo en movimiento a través del vídeo. Una manera de interpretar nuestro título con gran acierto. Continuamos después con una conversación entre dos modelos institucionales bien distintos pero cuyas diferencias nos sirvieron para retomar muchos temas y analizar otros casos. Cómo enfrentarse a este nuevo ciclo institucional desde una perspectiva pública, la de Tate Díez en el Da2, o la de Rosa Yagüez, en la Fundación Cerezales Antonino y Cinia. Una oportunidad, por otro lado, para conocer la cocina de estos proyectos con sus dificultades y su incidencia en los contextos locales en los que se ubican las instituciones. Para terminar, el viernes, escuchamos a María Mur que relató, en conversación con Diego del Pozo, el caso de la productora de arte contemporáneo Consonni, un caso único en el panorama de los proyectos colaborativos. La verdad es que los 20 años de andadura de esta productora darían para un estudio monográfico, pero el relato de María y la conversación con Diego fueron un panorama completo de todo lo que se puede hacer desde una perspectiva de colaboración y de implicación en los contextos y en el trabajo artístico actual, en esa necesidad de interpretarlo desde otro punto de vista.

La aportación de Chus Domínguez nos anima a incorporar también este otro formato, más próximo al taller, en el que un artista establece un contacto directo con un grupo más reducido para desarrollar algunas ideas compartidas a partir de trayectorias rigurosas. Desde luego la de Chus lo es en nuestra opinión, así que estamos muy satisfechos con el resultado. Gracias a todos por vuestra asistencia y el interés que habéis mostrado quienes habéis respondido a este nuevo formato.

Haciendo balance de este último año no quería dejar pasar, aunque sea como memoria de la actividad docente desarrollada en estos meses, la invitación de los organizadores del II Seminario Políticas de la (no) imagen: fotografía y violencia política, que tuvo lugar en la Universidad Autónoma de Madrid y en la que tuve la suerte de participar. Allí planteamos un recorrido por la iconoclastia política en la actualidad, repasando algunos hitos históricos del impacto de las imágenes de la violencia y la convulsión colectiva que generan, haciendo reaccionar los resortes de una improbable “ética de la mirada”. A modo de abstract esta fue la propuesta: El concepto de iconoclastia no puede presentarse ante nosotros hoy en los mismos términos en los que operaba en otros momentos de la historia, al menos por lo que se refiere a sus métodos, aunque quizá sí respecto a los trasfondos del significado que tienen las imágenes para activar la violencia. Esta conferencia abordará los nuevos significados de este fenómeno antiguo bajo las formas que adopta en el contexto político actual y ante la necesidad de una revisión de los planteamientos éticos de la mirada en medio del tráfico de imágenes del horror.

Detalle de la radiografía del Felipe II a caballo de Rubens

Este mes de diciembre de 2015, los días 9 y 15 tuvimos las respectivas visitas de Laura Alba Carcelén y Álvaro Perdices en un ciclo de conferencias que denominamos Falsificaciones, copias, originales… La verdad es que ese título inicial se nos quedó corto para todo lo que trajeron estos dos invitados. Laura Alba estuvo brillante con su presentación sobre los procesos de autentificación y restauración de las obras del Museo del Prado y creo que, como ya comentamos en clase, fue una intervención de las que se agradece en un contexto como el de nuestra facultad. Álvaro Perdices, que además fue compañero durante un tiempo como profesor de la casa, volvía para relatar algunos de sus trabajos más significativos. Con este nuevo formato, trataremos de mantener diálogos a varias bandas entre diversos agentes del campo artístico sin que falten a la cita los artistas en lo que venía siendo aquel otro ciclo denominado El artista y la obra. Seguiremos informando puntualmente de estas actividades que trataremos de adaptar lo mejor posible a vuestras necesidades. Me queda agradeceros sinceramente, de nuevo, la generosa participación en el ciclo.

En los próximos días participo en el Seminario: Contratiempos. Gramáticas de la temporalidad, un proyecto de Primer Escalón, que componen Ana García Alarcón, Isabel Durante y Miguel Ángel Hernández Navarro. Esta vez, nos veremos primero en Madrid, en la Sala Ideas, de Tabacalera, y luego en Murcia, en el Centro Párraga. Una oportunidad para tratar, como se desprende del título, ese problema tan escurridizo de la temporalidad en las artes actuales. Planteo este título: Entonces todavía nunca: estrategias para la omisión del presente, y trataremos de analizar la estructura y las consecuencias de una vivencia del tiempo artístico y cultural en el cambio del siglo XX al XXI. Un desafío en cualquier caso, aunque hay abundante bibliografía sobre ello. Como resumo en el programa del seminario, tratando de explicar el contenido de la intervención: “La autoexigencia de una condición “contemporánea” ha abocado al arte actual a una serie de paradojas temporales que propician estrategias como el anacronismo, la ucronía o la reescenificación. Esta conferencia tratará de aportar algunas claves para pensar la extraña relación de las prácticas artísticas actuales con su tiempo”.

Francis Picabia: Machine, Tournez Vite, 1916.

Presento aquí el próximo taller que impartiré en el MNCARS, en el contexto del programa Modos de hacer, formas de saber, historias que narrar III, organizado por la Universidad Complutense de Madrid, la Universidad Autónoma de Madrid y el Museo Reina Sofía en el marco del Máster de Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual. Lo he titulado específicamente “Praxis del ensayo teórico. Escritura y narrativas de la producción crítica”. En respuesta a algunas solicitudes y consultas que me han llegado directamente, remito a la página donde puede solicitarse la participación.

Como se deduce de ese título vamos a intentar trabajar sobre la práctica del ensayo, cosa que no es fácil en principio en estos formatos dado que no tenemos mucho tiempo y, ya se sabe, escribir un ensayo siempre es resultado de una paciente labor de sedimentación. En cualquier caso, podemos esbozar algunas propuestas y tratar de trabajar conjuntamente en lo que seguro será un intercambio productivo. El planteamiento que he enviado como descripción del taller incorpora, como se puede ver, un intento de análisis y definición de ese lugar a veces un tanto esquivo, de difícil equilibro, en el que transcurre la mayor parte de la producción teórica en la actualidad, una vez que se desmorona la fe en los grandes sistemas filosóficos de otro tiempo.

Como indico en esa descripción, la escritura teórica a partir de las imágenes crea un espacio de reflexión que ha ganado cierta autonomía al atravesar distintas áreas culturales, que van desde la fundamentación de las artes visuales hasta el análisis de una esfera pública fuertemente estetizada. Pensar desde el arte nos obliga a un tipo específico de praxis ensayística en la que confluyen ámbitos muy diversos, y para la que se requieren nuevas herramientas críticas y literarias. En este taller se analizarán los tropos y recursos de las posiciones del pensamiento crítico desde las que desplegamos narrativas capaces de recorrer distintos campos disciplinares. La revisión de los trasfondos filosóficos que han venido sustentando los puntos de vista sobre los imaginarios culturales será el objetivo de este encuentro en el que se trabajará sobre obras y textos con los que actualizar el lugar de la escritura teórica.

La mayor parte de los programas institucionales y académicos que funcionan bien, lo hacen gracias a personas que no siempre son bien conocidas, o no son las más visibles necesariamente. En cambio, cuando uno participa en estos proyectos resulta más fácil identificar a quienes han puesto su compromiso y su esfuerzo. Esto me ha pasado recientemente en ART DATING, dentro del programa SELECTA 2015, una actividad del Máster Universitario de Producción Artística de la Universidad Politécnica de Valencia. En este proyecto, dos personas, Pepe Miralles y Laura Silvestre, son los claros responsables de que aquello sea un espacio de encuentro. Se trata de un programa destinado a que los alumnos de master sometan a debate sus proyectos especialistas externos al propio máster en el que se están formando. Una manera de airear el flujo de intercambio entre profesores y alumnos en un entorno formativo, ampliando el espectro de miradas que analizan y cuestionan de forma independiente esas propuestas. Debo decir que acabé agotado con la intensidad de cada encuentro, uno por uno, con aquellos alumnos que me fueron asignados. Quedé de verdad impresionado por la calidad de algunos de sus trabajos, que no caerán en el olvido, y sentí que aquel modelo era necesario en el sistema de la investigación en arte. No sé quién aprendió más de todo aquello, desde luego yo salí ganando con el esfuerzo. Así que tengo que dejar constancia aquí, en este espacio para el comentario de las actividades académicas y de investigación, un sincero agradecimiento por la oportunidad de conocer a estos nuevos artistas y mi admiración por quienes lo han hecho posible de una manera tan acertada de la que otros centros deberíamos tomar nota.

David Vázquez Couto y José Seoane Rivera han organizado con bastante perspicacia, creo yo, un ciclo de cine basado en un repertorio de películas españolas creadas en la década de 1970 que serán comentadas por algunos profesores y especialistas. Tengo la suerte de ser uno de ellos. El ciclo, titulado Decir lo indecible. El cine metafórico español de los años setenta, se desarrollará en la Casa de las Conchas, una biblioteca que por cierto lleva cubriendo un enorme espectro de actividades con más alcance y calidad del que estamos acostumbrados en otras instituciones que disponen de más recursos. En este caso, pasamos a hacer una pequeña revisión, como digo sintomática y bien dibujada, de una serie de obras metafóricas, según los organizadores. Para ser más precisos reproduzco sus palabras al explicar el enfoque: “Ciclo de cine español que quiere trazar un recorrido por el importante cine metafórico español, atendiendo no sólo a sus ejemplos paradigmáticos sino a sus arborescencias: deconstrucción de las relaciones familiares mediante el uso simbólico del tiempo, el espacio y los objetos, recuperación de la memoria desde la metaficción y la infancia, reflejo del sentir de una generación mediante el cine documental, exposición de la violencia a través del tremendismo y por último, utilización del humor sarcástico y esperpéntico para la denuncia de determinadas clases sociales. Caminos que reflejan formas alternativas de exponer y denunciar la realidad política o social, siempre interesantes en los tiempos que corren”.

Como se puede ver en el programa, tengo el encargo de comentar El desencanto (1976), el conocido documental sobre la vida de la familia Panero tras la muerte del padre. Debo decir a modo de adelanto, que se trata de una película fascinante, y terrible al mismo tiempo, en la que se desnudan los personajes con ese penetrante relato documental que traza Jaime Chavarri en lo que considero una de sus obras maestras. La verdad es que es una suerte poder comentar esta película el martes 26 de mayo. Espero que podamos disfrutar juntos de este perturbador álbum familiar.

Con la intención de dejar constancia del paso de Pedro G. Romero, comento brevemente una intervención de las interesantes. Cualquiera que conozca un poco el trabajo de Pedro sabe que la palabra no es un obstáculo en su obra, sino más bien una necesidad estructural, lo que hace más fácil que sus intervenciones como orador contengan siempre cosas relevantes. Repasó su trayectoria y, no sé si por su inmersión en la cuestión de la iconoclastia o por algún accidente informático, al final la conferencia transcurrió sin imágenes. Creo que no fueron necesarias en esta ocasión y, como hemos explicado ya algunas veces, la presencia testimonial de estas voces de artistas contemporáneos que seleccionamos para el ciclo que venimos desarrollando tiene, entre otros objetivos, el de activar las búsquedas personales de quienes queréis ampliar los contenidos de clase. Una ampliación que nos permite intercambiar un diálogo directo con personas como Pedro que, ya lo comprobasteis, regala una enorme cantidad de información que forma parte de sus propios intereses como investigador. Creo que quedaron en el aire algunas de esas “citas” que configuran su imaginario para que podáis explorarlas y entender la importancia de trabajos artísticos como el suyo, cuya metodología abre posibilidades para reinterpretar eso que hacemos en una facultad de “Bellas Artes”. En fin, espero que algunos de vosotros tuvierais la curiosidad de rastrear un poco quiénes eran esos personajes de los que se habló y que tuvierais el impulso de ampliar lo que allí se dijo, que ya era mucho.

“Los Países” de Pedro G. Romero, en Casa sin fin.

Aunque ha pasado un tiempo y estamos ya inmersos en esa bruma espesa de la Navidad, no me gustaría dejar pasar la ocasión para anotar aquí un agradecimiento para Helena Cabello y Ana Carceller que nos visitaron el pasado jueves 20 de noviembre. Fue una interesante intervención en la que nos relataron algunos de sus proyectos más destacados y se atuvieron a la idea original de este ciclo que venimos desarrollando, es decir que los artistas a los que invitamos nos cuenten sus procesos de producción, desde la génesis poética hasta la ejecución de las obras. Como ya hemos comentado el encuentro en algunas de las clases posteriores no me extenderé más allá del agradecimiento por su rigurosa y completa exposición. Nos vemos a la vuelta de las vacaciones de Navidad con energías renovadas para acabar el semestre.