Historia del arte contemporáneo

Lo sublime a ras de tierra, una visita a la Fundación Helga de Alvear

Tan sólo un pequeño y afectuoso recordatorio para el encuentro que mantuvismo en Cáceres con los amigos de la Fundación Helga de Alvear en el seminario creado por Julián Rodríguez: Lo sublime a ras de tierra. Allí conversamos el pasado 26 de octubre de 2018 con el propio Julián, Álvaro Perdices y Ángel Calvo Ulloa, así como con los asistentes. El seminario venía a completar una reflexión en torno al paisaje y el territorio que se remontaba a la exposición “Todas las palabras para decir roca“, y se enmarca bajo el ciclo “Naturaleza y comunidad”. En fin, fue un placer la visita y la compañía. Algunas de las ideas tratadas allí son punto de partida de próximos trabajos en torno a estos temas que espero poder publicar pronto. Un cordial saludo a todos.

 

Escritura del arte

Volvemos a hablar de ello. Esta semana, en Bilbao, en la Universidad del País Vasco UPV/EHU, nos reunimos para hablar de la escritura en torno a las artes en unas jornadas que prometen ser más que interesantes. Ya hablamos de la escritura ensayística, de la esctructura con la que tejemos nuestros escritos y la capacidad detonante y configuradora de las artes visuales para este tipo de oficio. Fue hace un tiempo en el MNCARS y resultó ser un taller muy estimulante. Así que es una suerte volver a tocar este tema que se va decantando como una cuestión que recorre de manera a veces subyacente muchas de las cuestiones que tratamos en las asignaturas de teoría del arte. Se dibuja así una manera de pensar el mundo desde el arte, ampliando y desglosando lo que nos sugieren las imágenes y los procesos artísticos en una forma de escritura.

Como se explica en el programa de estas jornadas, en mi intervención hablaré de las estructuras conceptuales y las herramientas literarias de la escritura del ensayo crítico en el contexto de las artes visuales. Escribir desde el arte es hoy una manera de pensar un mundo mediado por las imágenes, para lo que se ponen en juego modelos de pensamiento que combinan tradiciones y metodologías que ya no pueden reducirse a la ortodoxia de una sola disciplina.

Aquí os dejo el programa y el enlace a estas jornadas: “Escribir de arte”, los días 14 y 21 de octubre, en el Salón de Grados de la Facultad de Bellas Artes (edificio 1) y en el Salón de Visionados (edificio 2), en la UPV/EHU.

Site (1964), de Robert Morris.

Como ya sabéis, algunas veces publico trabajos de clase que pueden ayudar a los lectores de este blog (alumnos, colegas e interesados), tanto por su contenido como por su relación con la asignatura. En esta ocasión, con el permiso de su autora, Cristina Parellada Bezares, publico lo que fue un ejercicio para Historia del Arte Contemporáneo, de 3º del Grado en el curso 2015-2016, pero cuyo resultado me parece que va más allá de los objetivos docentes. De hecho, el trabajo de Cristina integra muy bien algunas de las cuestiones aportadas en clase junto a otras que son fruto de su investigación personal sobre el tema. Como creo que el resultado puede ayudar, tanto a quienes se interesen por la obra de Robert Morris como a quienes quieran comprobar lo que considero un buen trabajo, aquí dejo la entrada que nos aporta generosamente Cristina. Al final de su comentario encontraréis el vídeo de la performance.

 

Robert Morris: Site (1964).

CRISTINA PARELLADA BEZARES

Robert Morris se preocupa por el proceso de creación de la obra y las relaciones entre la obra, el cuerpo como medida del espectador y el contexto espacial en el que se ubican. Estos intereses, junto a otros de tipo formal que circunscriben la obra de Morris durante los años 1961 y 1964 al minimalismo, son cuestiones que aparecen en esta performance, que no sería tanto en sí misma una obra minimalista sino un cúmulo de alusiones al minimalismo y a los procesos de realización de una obra. Podríamos decir que es una obra “metaminimal” en la que se “formulan” principios del minimalismo como si se tratara de ponerlos sobre la mesa para repensarlos. De hecho, Morris a partir de determinado momento cuestiona la viabilidad de la estética minimal desde dentro y su obra evoluciona desde la naturaleza objetual hacia obras de carácter más procesual en las que le interesan las fases de concepción y ejecución (Guash, 2009:159). Dice Hal Foster (2001:50) que para Morris ni la escultura ni el minimalismo tienen que ver con el ilusionismo pictórico y que las formas, unitarias y autónomas, se basan en la literalidad, es decir, es lo que se ve sin alegoría alguna. Sin embargo, creemos que Site esta cargada de alusiones a cuestiones artísticas que nos dirigen fuera de la obra.

La acción se desarrolla en un lugar indefinido, sin referencias arquitectónicas o ambientales que la ubiquen en un contexto. Los hechos se producen en un espacio-tiempo concreto, literal e inmediato. Se define así un lugar abstracto en el sentido de que puede ser cualquier espacio pero que es mensurable porque unos escasos elementos y tan simples como una pequeña caja cúbica —delante de la cual se ubica el actor— y unos grandes paneles rectangulares —dispuestos horizontalmente frente a él— informan escuetamente sobre las relaciones y dimensiones espaciales. Esta economía de recursos se completa con una monocromía blanca que genera mayor neutralidad al entorno y que es acorde con la “estética fría” de los espacios minimalistas. Ana María Guasch advierte que Robert Morris trabaja como artista minimalista sin dar importancia al equilibrio compositivo sino a lo geométrico, lo estándar y lo modular en beneficio de la máxima economía de recursos, simplicidad y claridad estructural (2009:27-28).

La neutralidad del escenario se rompe por el acompañamiento de una voz en off que narra lo que un hombre está realizando por “control remoto” y por un ruidoso sonido que procede del interior de la caja y que evoca el desarrollo de una construcción. Esta caja sería una autorreferencialidad a una de sus primeras piezas creada en 1961 por Morris, Box with the Sound of Its Own Making, pequeño cubo de madera que integraba la grabación de su propio proceso de fabricación (Rose, 2011:260). Morris incorpora en Site solo un fragmento de la grabación pues debía durar entorno a tres horas y media. Podríamos decir que estamos ante una puesta en abismo de autorreferencias ya que Site incluye otra obra del propio autor que a su vez incorpora su propio desarrollo de construcción. Para el minimalismo es muy importante la reflexión sobre el proceso de producción de la obra pues considera el arte un procedimiento que se despliega sobre el espacio.

Morris establece un diálogo con los tableros movibles al cogerlos, trasladarlos y manipularlos con las manos incluso con todo su cuerpo. El tamaño de los paneles supera las dimensiones humanas pero posibilitan su manejo. Los coloca a su lado, se compara con ellos y los alza calibrando sus posibilidades, habilidades y fuerzas. Morris está definiendo las relaciones de escala del cuerpo humano con un objeto bidimensional que a su vez está siendo acarreado en un espacio tridimensional. Por lo tanto, aquí aparecen las cuestiones que son importantes para Robert Morris (Simón Marchan Fiz, 1994:104) y el minimalismo: la relación entre las formas y el cuerpo humano, la conciencia de escala, el espacio y la percepción de las formas y dimensiones de los objetos con relación a la posición del espectador en un emplazamiento determinado con una luz precisa.

Toda la acción la realiza Morris mediante una especie de danza, actividad que ocupa un lugar relevante en su obra. Estos movimientos emulan la metáfora del proceso de ejecución de una obra. En un momento de la acción coloca un panel sobre el suelo y actúa con él. Es posible que aluda a las danzas que Pollock ejercitaba en torno a sus lienzos mientras goteaba la pintura sobre ellos. Aunque a Morris no le cautivara la obra de Pollock (Krauss, 1997:262), en cuanto a gestualidad pictórica, si parece ser que le interesa la técnica utilizada en la ejecución de sus cuadros. Según Guasch, para Morris las pinturas de Pollock adquieren interés sobre todo en cuanto a su proceso de realización. No se puede decir que Pollock mecanizara su gesto pictórico pero quizá Morris si pudo considerar que las formulaciones de su lenguaje pictórico fueran muy repetitivas. Teniendo en cuenta que la voz en off alude a la manipulación del hombre por control remoto, puede también estar haciendo una alusión a la mecanización del gesto pictórico, sistema creativo procesual que también apunta al minimalismo.

La actividad que realiza Morris es mover unos paneles rectangulares que en posición horizontal esconden a una mujer recostada en un sofá. Es la artista Carolee Schneemann que aparece en la misma posición que Olympia de Manet de 1863, desnuda y adornada con su característica cinta negra en el cuello, teniendo como fondo otro tablero horizontal a modo de lienzo sobre el que se ha construido la imagen. El panel blanco monocromo inicial es sustituido por la imagen cuya iconografía es bien conocida. La alusión a la obra clásica es explícita y como espectadores nos remite al arranque de la heredada tradición artística moderna y que es criticada por el minimalismo. Como veremos, Morris hace caso omiso a esta imagen que es una figura humana. Además, en esta cita a los grandes maestros de la historia del arte moderno, se ha suprimido la referencia pictórica fundamental y básica en la percepción tradicional de la pintura: el color. Esta supresión del significante pictórico es una característica del minimalismo. Aunque esta monocromía elimina de la figuración una porción de las posibles relaciones internas dentro de la obra, retiene otro tipo de relaciones como pueden ser las compositivas.

El performer, como si sustituyera a la asistenta de raza africana que acompañaba a Olympia en la versión original y que ha desaparecido del cuadro, realiza ahora otras funciones ajenas a esa obra clásica. Coloca el panel en blanco mirando hacia los espectadores confrontándolo con la imagen de Olympia. Morris no hace ni caso a esa obra que representa a una atractiva mujer porque no le interesa ni la representación de la figura humana ni el tradicional vínculo reflexivo que se hubiera generado en otra época. Esta huida de la representación humana define también el minimalismo. Al actor solo le interesa el cuerpo humano en relación a la experiencia espacial que está surgiendo de la manipulación del panel monocromo. Aquí vuelve a estar presente la relación entre la obra, el espacio y el espectador que lo transita.

El espectador se encuentra con la situación paradójica de observar dos imágenes antagónicas que se combaten, no porque obviamente él trabaje vestido mientras ella reposa desnuda, que a lo mejor también, sino por cuestiones formales intrínsecas a las representaciones de los paneles derivadas de la existencia o ausencia de relaciones internas a la obra. En el lienzo de Olympia encontramos la recreación de una obra con la representación de un icono estático que formalmente señala a las relaciones internas del cuadro. En el tablón que soporta Morris el espectador está ante un paramento monocromo blanco sin relaciones formales internas que parafrasean el espacio exterior que lo contiene. La escena no existe en el interior del tablero como sucede en el cuadro moderno sino que alude a relaciones espaciales exteriores a través del performer que alegoriza las concordancias del tablón monocromo con el espacio exterior minimalista.

En un momento determinado de la acción, Morris deja libre un panel en posición vertical. Este lienzo se cae por su propio peso. Quizá esta anécdota, en la que un objeto rígido —y que el artista presupone estable— se comba y se mueve por efecto de la gravedad, sea el augurio o una manifestación metafórica del giro que dará más adelante Morris frente a la concepción del minimalismo más ortodoxo. Morris toma conciencia a lo largo de su carrera de la necesidad de realizar nuevas propuestas para el arte, abriendo caminos a nuevos entornos, nuevos soportes y nuevos materiales manipulables, como así defendió posteriormente. Como teórico del arte expresa sus nuevas ideas en una serie de artículos publicados en la revista Artforum. En su texto Antiform de 1968 Morris relaciona los materiales de la escultura y la percepción. Guasch pone de manifiesto que para Morris los materiales y las formas ya no se limitan a lo rígido y unitario sino que abre el campo a objetos flexibles susceptibles de ser afectados por el azar o la gravedad y plantea que la escultura debe apartarse de la tradición europea como construcción de volúmenes rígidos reivindicando lo indeterminado, lo impreciso y lo imprevisible. (2000:40). Es decir, que materiales considerados pobres como lonas, fieltros, plomo líquido, cauchos o cuerdas pueden configurar también una obra de arte. Y en Notes on Sculpture de 1969 también empieza a pensar que la obra artística no es un objeto-icono cerrado, terminado y construido sino que es más un proceso de elaboración por lo que da más importancia a las fases de realización de las obras: “La noción de que el trabajo del artista es un proceso irreversible, cuyo resultado es un objeto-icono estático ya no tiene sentido. En estos momentos, el acto artístico tiene por función desorientar y descubrir nuevos modos de percepción” (Citado en Guasch, 2000:43-44).

Robert Morris lleva una máscara que cubre su rostro, un molde de sus propias facciones que había sido realizada por Jasper Johns. Esto puede ser interpretado como un intento de suprimir su identidad personal para centrar toda la atención cognitiva sobre la obra sin el aura del autor, si bien, al ser el molde la imagen de su propia cara, existe cierta autorreferencialidad. Quizá es una forma de decir que arte y artista forman parte de un mismo proceso. Su vestimenta es blanca y neutra y solamente unos guantes de protección definen que es un operario aunque no se pueda concretar ocupación o profesión. Es una forma de borrar cualquier tipo de drama personal ya que el sujeto queda desidentificado y sin estatus, convirtiéndose en cualquier sujeto público capaz de transitar el espacio. Pero este operario trabajando también alude a la implicación del artista en el proceso de ejecución de la obra y a la manipulación de los materiales que, no obstante, en el minimalismo no es considerado algo imprescindible pues el artista puede ser solamente el diseñador y luego ejecutarla otro.

La acción termina cuando Morris invierte el proceso inicial: vuelve a colocar los paneles en su posición original y oculta de nuevo la imagen de Olympia. El resultado de esta acción se traduce también en una simetría espacio-temporal pues finaliza en la misma posición que se inicia. Este proceso simétrico configura una pieza unitaria y cerrada que puede solaparse con otra igual para volver a empezar el mismo proceso. Esta idea de módulo es la que posibilita tanto la repetición o seriación como el montaje y desmontaje de las obras. Aquí Morris define también juegos que configuran el minimalismo.

Para finalizar, señalo sólo a título informativo que Bárbara Rose (2011:27) cita dos interpretaciones sobre esta performance: la de Maurice Berger que entendió la obra como una alegoría de la clase trabajadora y un testimonio del artista como trabajador manual y otra posibilidad:

“…es que con Site, Morris no solo estuviera insinuando un lugar de construcción físico, sino también una metáfora para la construcción de un espacio pictórico en forma de una secuencia de planos que van disminuyendo tras la superficie. Manet considerado el padre del modernismo, empezó condensando el espacio tras el plano de la imagen, un proceso que continuó Cezanne y que en última instancia, derivó en el rechazo del espacio ilusionista que definía a la pintura moderna. En este contexto uno podría imaginar los diversos movimientos de Morris inclinado el plano hacia arriba, pasando de la horizontalidad a la verticalidad para ilustrar la construcción espacial de las pinturas de Cézanne con sus espacios cambiantes”.

 

Bibliografía y otras referencias

Clases de Víctor del Río sobre el minimal y la antiforma.

Rose, B (2011). Robert Morris, el dibujo como pensamiento (Valencia, 8 septiembre 2011- 8 enero 2012). Valencia: IVAM, Generalitat Valenciana.

Foster, H (2001). El retorno de lo real. La vanguardia a finales de siglo. (A. Brotons, Trans.) Madrid: Akal.

Guasch, A. (2009). El arte del siglo XX en sus exposiciones, 1945-2007. Barcelona: Ediciones del Serbal.

Guasch, A. (2000). Arte último del siglo XX. Del posminimalismo a lo multicultural. Madrid: Alianza Editrorial.

Krauss, R. (1997). El inconsciente óptico. (J. Esteban, Trans). Madrid: Editorial Tecnos, S.A.

Marchan, S. (1994). Del arte objetual al arte de concepto (1960-1974). Epílogo sobre la sensibilidad posmoderna. Antología de escritos y manifiestos. Madrid: Ediciones Akal.

Del álbum familiar a las políticas del archivo. Un nuevo seminario pensado para la UIMP

Para recordar a nuestra vuelta de las vacaciones las nuevas propuestas del curso os adjunto aquí el programa del seminario “Memoria y desacuerdo: políticas del archivo, registro y álbum familiar“, organizado para la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP) en su sede de Huesca para los días 20, 21 y 22 de octubre de 2016. Es un proyecto que se enmarca dentro del Programa VISIONA, que ha venido dirigiendo Pedro Vicente. Pedro tuvo la amabilidad de invitarme a participar este año diseñando el seminario, que es una de las partes del complejo de VISIONA. En sus exposiciones y seminarios anteriores el álbum familiar ha sido un eje temático que mantiene su continuidad aquí, pero desbordado en otro asunto que era del interés de ambos: la cuestión de las inscripciones autobiográficas en los archivos colectivos, en los nuevos soportes comunitarios.

Los dos estamos muy satisfechos con el resultado y con las confirmaciones que hemos recibido de todos los ponentes a los que decidimos invitar. Como podéis comprobar en el programa figuran especialistas procedentes del campo del arte, la literatura, la filosofía y de la gestión técnica de archivos. Creo que conseguimos el objetivo, por otro lado nada fácil, de abordar esa temática desde ópticas muy distintas pero complementarias. Como comentamos a veces en los seminarios internos de la USAL y del Máster de Fotografía, Arte y Técnica de la UPV, la temática del archivo se ha convertido en un espacio de referencia ineludible para entender una parte de las teorías culturales de las últimas décadas. Nuestro reto ha sido inyectar a un tema necesario una perspectiva nueva que intentaremos integrar en los debates que allí van a tener lugar. Os invito a participar en la forma que os sea más cómoda. Para los que ya estáis en el máster o en el doctorado, os animo a presentar comunicaciones. Aquí tenéis las bases. También os dejo el programa completo. Un saludo y feliz verano.

 

 

Programa

Jueves 20 de octubre 2016

09:30-10:40    Memoria y desacuerdo: políticas del archivo, registro y álbum familiar. Víctor del Río, profesor Universidad Salamanca y Pedro Vicente, director de ViSiONA.
10:40-11:55    Registros y cicatrices. Álvaro de los Ángeles. Subdirector de Actividades y Programas culturales del IVAM
12:15-13:30    De Goebbels a Hofmann. Jorge Blasco. Comisario independiente.
13:30-14:30    Comunicaciones

16:30-17:10    Comunicaciones
17:10-18:25    El archivo audiovisual. Miguel Morey. Catedrático Emérito de la Universidad de Barcelona
18:45-20:00    Iconología de la memoria. Montserrat Soto. Artista
20:00-21:00    Mesa redonda. Registros y olvidos. Ponentes: Montserrat Soto, Miguel Morey, Jorge Blasco, Álvaro de los Ángeles, Pedro Vicente. Modera: Víctor del Río.

Viernes 21 de octubre 2016

09:00-10:00    Comunicaciones
10:00-11:10    Desfases de la memoria. Mela Dávila. Directora del Departamento de Actividades Públicas del Museo Reina Sofía
11:30-12:45    Los saberes delincuentes. Pedro G Romero. Artista.
12:45-14:00    La seducción del disfraz. Sergio Rubira. Profesor de la Universidad Complutense de Madrid y editor de EXIT.

16:00-16:40    Comunicaciones
16:40-17:55    Pulsión de archivo en los libros de artista. Gloria Picazo. Directora de La Panera, Lleida.
18:20-19:30    Cuerpo y texto: desnudos integrales en “Daniela Astor” y “La lección de anatomía”. Marta Sanz. Escritora.
19:30-20:30    Mesa redonda. Políticas del archivo. Ponentes: Gloria Picazo, Sergio Rubira, Pedro G Romero, Mela Dávila, Victor del Río. Modera: Pedro Vicente

Sábado 22 de octubre 2016

09:30-10:30    Comunicaciones
10:30-11:30    Hacer memoria cuando ya no hace falta. Manuel Cruz. Filósofo y catedrático de Filosofía Contemporánea en la Universidad de Barcelona.
12:00-13:00    Mise en abîme: el (álbum) de Picasso en 1906. Juan José Lahuerta. Profesor de Historia del Arte, Escuela de Arquitectura de Barcelona
13:00 -14:00   Mesa redonda: Registros imposibles. Ponentes: Juan José Lahuerta, Manuel Cruz, Marta Sanz, Pedro Vicente. Modera: Víctor del Río.
Matrícula (hasta el 19 de octubre): 974 292 652
Más información:
Secretaría Sede Pirineos- UIMP
Escuela Politécnica Superior- Campus Huesca
Ctra de Cuarte s/n. 22071 Huesca
Tel.: 974 292 652
pirineos@uimp.es
www.uimp.es

 

Actualizando la idea de lo monstruoso: homenaje al Frankenstein de Mary Shelley

Así se titulan las jornadas en las que intervendré con algunas amigas como Tonia Raquejo que han organizado este evento para hablar sobre el significado cultural del Frnakenstein de Mary Shelley. Un encuentro que tendrá lugar en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. La presentación del curso explica el contexto en el que vamos a conversar sobre estos temas: “En junio de este año se cumple el bicentenario de la creación de Frankenstein de Mary Shelley, uno de los mitos que ha permanecido con más relevancia en nuestra actualidad, debido a que los adelantos científicos y tecnológicos nos brindan ahora la posibilidad de pensar un futuro no lejano en el que la especie humana pueda elegir ciertas transformaciones, siendo está la primera vez que puede manipular su configuración genética  con vistas a un futuro posthumano. Aunque la novela no se publica por primera vez hasta 1818, es en 1816 cuando Mary la concibe en esa célebre noche de Junio, del “año sin verano”, por los efectos del pequeño invierno climático que produjo la explosión del volcán Tambora. Este taller quiere brindar un homenaje a la creación de la mano de una de las mujeres que generó  uno de los arquetipos más poderosos de nuestro imaginario pasado y actual”.

 

Por mi parte, como me ha pedido Tonia, referencia para nosotros en la Universidad de Salamanca porque ha estado por aquí en  con anterioridad en alguno de nuestros eventos, voy a abordarlo desde  contenidos que proceden en mi último libro: La pieza huérfana. Allí trato de manera intermitente la figura de Mary Shelley en varios de los capítulos de ese libro, así que como figura transversal de una época trataré de contextualizar su papel en ese entramado de vínculos entre la imaginación tecnológica y científica, y la mítica novela que escribió Shelley.

Os copio aquí el programa y espero veros por allí.

Programa:

Martes 17

16:30. Presentación. Santiago Lucendo y Tonia Raquejo

16:45. Santiago Lucendo: Imaginar a la criatura

17:45. Ana Pol Colmenares: Confess all, cómo nos contamos: doblez y vulnerabilidad a través del Frankenstein de Mary Shelley.

Miércoles 18

16:45.  Víctor del Río: Muerte interrumpida: reanimaciones del imaginario romántico

17:45. Tonia Raquejo: Límites entre lo humano y lo no-humano: transcendiendo la idea de lo monstruoso.

18:00. Concha Cortés Zulueta: Frankenstein como bicho raro y otras parábolas

Jueves 19

16:30. Javier Fernández Gorostiza, Entre la criatura de Frankenstein y los Robots Sociales

17:15. Nuria Conde Pueyo, Genética, Ingeniería y biohacking: el camino hacia el homo Consilium

18:30- El Cuerpo Aumentado – Alfredo Miralles (danza y texto) y Javier Picazas (tecnología): ”¿Qué pasaría si mi único superpoder es ser consciente de mi fragilidad? ¿Quién me necesitaría? ¿Alguien gritaría mi nombre en búsqueda de auxilio? Quizá no soy de esos superhéroes que salvan a la gente. Igual mi superpoder sólo sirve para salvarme a mí mismo”. Este trabajo constituye el Proyecto Fin de Carrera de Javier Picazas y ha sido realizado en colaboración con RoboticsLab del Dpto. de Ingeniería de Sistemas y Automática y el proyecto europeo de cultura Crossing Stages, en torno a la relectura de la figura del héroe en la mitología clásica.“El cuerpo aumentado” es el resultado escénico del encuentro entre Danza y Nuevas Tecnologías promovido por el Aula de Danza de la Universidad Carlos III de Madrid.

19:00- Syncbody – Javier Aparicio (danza y arte sonoro) y Javi F Gorostiza (tecnología): Consiste en un traje sensible al cuerpo y que hace posible componer e interpretar música a través del movimiento y el contacto corporal. La idea comenzó a forjarse cuando participaba en jam sessions de música y danza contact-improvisación: Bailamos cuando escuchamos sonidos que nos son afines (conectan con diferentes partes de nuestro cuerpo y nos movemos). Pero: ¿Cómo sería la música que se produce por el impulso corporal y el contacto de unos cuerpos con otros? ¿Qué posibilidades nos ofrece la tecnología para traducir esos fenómenos físicos en sonido y de qué forma podemos filtrar y organizar esos datos para ejecutar una propuesta musical con un cierto interés estético?

Viernes 20

Selección de libros y taller literario sobre lo  monstruoso en la biblioteca de la Facultad Bellas Artes:

12h. Jose Parreño, La sombra monstruosa  (lecturas poéticas)

13h. Inés Paris y compañía: monólogo dramatizado. ¿Cómo sería escuchar a la autora reflexionar sobre sus ansiedades, sobre lo dicho acerca de su obra y su creación? ¿Que supone para un artista que su obra le supere en tiempo y espacio? ¿Quien nace por obra de quien? Ojalá el tiempo nos permitiera retroceder para discutir con la mismísima Mary Shelley todas estas preguntas. Sin embargo debemos tirar del teatro y los libros para acercarnos a la verdad, o al menos intentarlo.

20 h. Cineforum proyección de Frankenstein de Mary Shelley (1994)en Espacio de Arte / Espacio Abierto

Talleres de Arte Contemporáneo Presentación y proyección de película basada en Frankenstein. Plaza del Cordón, nº2, 3º Derecha 28005 Madrid. 91 542 99 90

Coordinan: Tonia Raquejo y Santiago Lucendo

 

Entonces todavía nunca: estrategias para la omisión del presente

En los próximos días participo en el Seminario: Contratiempos. Gramáticas de la temporalidad, un proyecto de Primer Escalón, que componen Ana García Alarcón, Isabel Durante y Miguel Ángel Hernández Navarro. Esta vez, nos veremos primero en Madrid, en la Sala Ideas, de Tabacalera, y luego en Murcia, en el Centro Párraga. Una oportunidad para tratar, como se desprende del título, ese problema tan escurridizo de la temporalidad en las artes actuales. Planteo este título: Entonces todavía nunca: estrategias para la omisión del presente, y trataremos de analizar la estructura y las consecuencias de una vivencia del tiempo artístico y cultural en el cambio del siglo XX al XXI. Un desafío en cualquier caso, aunque hay abundante bibliografía sobre ello. Como resumo en el programa del seminario, tratando de explicar el contenido de la intervención: “La autoexigencia de una condición “contemporánea” ha abocado al arte actual a una serie de paradojas temporales que propician estrategias como el anacronismo, la ucronía o la reescenificación. Esta conferencia tratará de aportar algunas claves para pensar la extraña relación de las prácticas artísticas actuales con su tiempo”.

 

Cabello y Carceller

Aunque ha pasado un tiempo y estamos ya inmersos en esa bruma espesa de la Navidad, no me gustaría dejar pasar la ocasión para anotar aquí un agradecimiento para Helena Cabello y Ana Carceller que nos visitaron el pasado jueves 20 de noviembre. Fue una interesante intervención en la que nos relataron algunos de sus proyectos más destacados y se atuvieron a la idea original de este ciclo que venimos desarrollando, es decir que los artistas a los que invitamos nos cuenten sus procesos de producción, desde la génesis poética hasta la ejecución de las obras. Como ya hemos comentado el encuentro en algunas de las clases posteriores no me extenderé más allá del agradecimiento por su rigurosa y completa exposición. Nos vemos a la vuelta de las vacaciones de Navidad con energías renovadas para acabar el semestre.

Esther Ferrer

Se acerca la fecha del encuentro con Esther Ferrer que tendremos el día 8 de mayo de 2014 a las 19:00 y, como no puede ser de otro modo, es uno de los más esperados del ciclo que venimos desarrollando. Esther es una artista que ya forma parte de la historia del arte contemporáneo, así que no voy a poner mucho más énfasis en la conveniencia de que asistáis ese jueves. Sus planteamientos en el campo de la performance han sido decisivos para redefinir ese ámbito, pero sería insuficiente quedarse sólo con esa parte de su producción. Si echáis un vistazo a su página personal a la que he vinculado su nombre en esta entrada encontraréis bastante información interesante para preparar el encuentro. Podemos comentar en clase cuestiones previas para abordarlo y aprovechar más esta oportunidad. No os lo perdáis.

 

 

Para dejar constancia: Ignasi Aballí

El último de este año no decepcionó. Ignasi Aballí ha cerrado el ciclo de invitaciones a artistas que trabajan en el mundo real y que vienen a la facultad de Bellas Artes de Salamanca a tener una conversación con nuestros alumnos. Ignasi estuvo magnífico dejando que la ironía de su obra nos hablara sin la necesidad del énfasis, sin el irritante entrecomillado que la gente le pone con los dedos a las cosas que no lo necesitan. Nos mostró un recorrido bastante completo con esa humildad con la que él explica la impecable sencillez de sus obras. Sus soluciones precisas siempre apuntan a donde operan esos significantes cuyo significado ha sido borrado. Era de esperar que utilizara esa humildad de su relato para dejarnos constancia de las cosas nimias, nosotros hacemos lo que podemos con esta breve nota que llega con retraso. Los señalamientos de Aballí han sido un magnífico colofón para la última visita de este año. Tuvo lugar el lunes 25 de noviembre y sólo nos queda agradecerle haber estado con nosotros.

Con Eva Lootz

Hemos dejado pasar algo de tiempo desde que Eva Lootz estuvo en la facultad. Fue el 6 de noviembre de este año que se nos va, el 2013, y la veredad es que su paso por nuestro ciclo de conferencias fue un excelente modo de ir cerrándolo. Aún nos quedaba otro encuentro… Eva planteó, como solicitamos a nuestros invitados, un recorrido por su trayectoria. Recaló en sus procesos de alquimia, en los materiales diversos que han cristalizado en su universo, y eludimos casi intencionadamente recordar los nichos historiográficos con los que solemos ubicar a los artistas que como ella ya han hecho historia. En su lugar, la propia explicación de las obras bastaba por momentos para evocar la poética que encierra esa relación suya con los materiales. En fin, escuchar cómo se autorretratan algunos artistas ante un salón de actos abarrotado de alumnos de Bellas Artes no deja de ser un pequeño y gratificante espectáculo que nos llevamos los docentes de vez en cuando. Gracias a todos los que fuisteis, también a algunos de los compañeros que saben por qué hacemos este ciclo.